INTERVIEWインタビュー

演出振付家 MIKIKO
スペシャルインタビューシリーズ

TALK LIKE DANCING! ―オドルヲカタル!―

なぜ彼らは踊り始めたのか? そして、ダンスは彼らの人生をどう変えたのか?
ダンス・ダンス・アジア公式サイトが、アジアのダンスシーン最前線で活躍する人々を直撃。
スペシャルインタビューシリーズ「TALK LIKE DANCING!―オドルヲカタル!―」。

MIKIKO 演出振付家・ダンサー 写真
演出振付家  MIKIKO【後編】

「身体一つで、観る人を別世界に連れていける面白さを」

MIKIKO氏へのインタビューも今回が最終回。彼女がダンスによるパフォーミングアーツを創作するようになった原点、そして近年盛り上がりを見せるシーンに対する思いを聞いた。

MIKIKO 振付家・ダンサー 写真

ダンスで舞台作品を創るということについては、どんな思いが?

今はライゾマティクスさんとコラボレーションして、メディアアート×パフォーミングアーツの公演をやることが多いんですけど、作る側も観る側も、どんなメディアもそこに存在する身体の強さにはかなわないことを再確認したいんです。
私は人間の可能性を追求するのが好きなんですよ。人間とテクノロジーとを掛け合わせたとき、より人間性が際立つのが面白くてコラボレーションしています。だから、最先端のことがやりたくて組んでいるというより、ただ踊る以上に人間らしさ、体温が感じられる作品になるから、こうしたコラボレーションをやっているんですね。それはきっとライゾマさんも一緒の想いだと思います。
そういう意味では、逆説的に創っているところがあるんですが、私がずっと言いたいのはそこなんです。身体は音楽を表現する楽器でもあるし、思いを伝える手段でもある。この身体でしかできないことをする難しさ、身体一つで観る人を違う世界に連れていける面白さを追求したいです。

ダンス・ダンス・アジアではストリートダンスがキーワードになっていますが、ストリートダンスをルーツの一つに持つMIKIKOさんが、舞台作品を創るようになったのには理由があったのですか。

私はストリートダンスシーンの真ん中にいたときから、コンテンポラリーダンスや舞台、アートを観るのが好きで。自分も作品性の濃いものを劇場で上演したいと思っていたんです。ファッションとして踊ることや、振りで個性を表現するとかではなく、身体表現そのものがやりたかった。
コンテンポラリーでは、派手さはなくても文脈が大事で、観るものをぐっと惹きつけなければいけないし、しっかり批評してもらえるだけの作品を創らなければいけないし、表現者自身も作品を語れないといけない。自分もそこまで深みがあるものを創りたいと思ったし「息をするように踊る」、「生きる術がダンス」と言えるものが創りたかったんですね。
MIKIKO 振付家・ダンサー 写真

その思いを踏まえて、ELEVENPLAYでは何を意識されていますか。

ストリートの人が観ても、バレエの人が観ても納得するものが創りたい、という思いは最初からありました。ただ型だけの振りじゃなくて、そこにしっかりとリズム……、グルーヴがあって、さらっと踊っているように見えるけど、実はテクニックがないとできない振付を創りたいです。演出面でも同じで、迎合はしないけど、観ている人の心を揺さぶるえぐみのあるものを創っていきたいですね。

そして近年では、ダンスによるパフォーミングアーツが盛んですよね。

ダンス・ダンス・アジアを映像で見ましたが、世界に誇れるレベルの作品とダンサーが揃っていたと思いますし、今の日本のダンスシーンでも、日本人の研究熱心さと懸ける思いの強さもあいまって、力強い作品が増えていると思います。
あとはそういうものを観に行くことが当たり前になったらいいし、そういうものが発表できる場所を常に提供してもらえたらうれしい。今の勢いに比例して、ダンスを巡る環境も整ってきたらうれしいですね。

振付以外の演出手法については、どう知識を広げたのかも気になります。

今もそんなに知識があるとは思いませんが、やっぱり自分の好みをわかってくれるスタッフと関係を築くことが一番大事ですね。ニューヨークから帰ってきてすぐの頃は、私も自分の描きたい世界を説明するのが下手で、スタッフから「この人は何を言ってるんだろう?」と思われていたでしょうけど、「ここは赤じゃなくてどうしても青の照明なんです」と一つひとつ、考えを伝えることを何度も何度も重ねて、お互いに歩み寄って関係性を作ることができた。今やっと作品を多く説明せずとも、ガーッと創ることに集中できる、しっかり噛み合ったチームになってきたと思います。
それにはどうしても時間が必要だったし「こんなことをやりたい」というのを、いかに説明をするかにはすごく苦労しました。私はあまり説明が上手ではないので(笑)。今はまずプロットやプランを書き、それにどんなアイデアが見合うのか話し合いを重ねます。
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そういう意味では、ダンス・ダンス・アジアというプロジェクトもまた、そういった環境の一つと言えるかもしれません。

映像を観てもみなさんが前のめりで参加されている楽しそうな雰囲気が伝わってきて、とても素晴らしいと思います。こういう機会があることで、それぞれの国の人たちが今まで観たことのないジャンルを観ることもできますし。文化の違いには困難を生む部分もありますが、私自身も、日本以外の場所でも面白いことを伝えていきたい。
動画を観た海外の方から招待されたことがありますが、実際に現地でやってみると、生の表現を観て泣いて喜んでくださる人もいるんですね。だから動画にとどまらず、肌で感じられるところで自分たちの作品を観てほしくて。もちろん、ダンス・ダンス・アジアのようにダンサー同士が交流することは、作品を鑑賞する以上に密度の濃い作業だから難しさもあるでしょうけど、それを乗り越える意味があるプロジェクトだと感じます。

ダンス・ダンス・アジアでは前回の東京公演で上演された、フィリピンの演出家ヴィンス・メンドーザの『Hilatas』という作品を、来年3月に再構成して上演しますが、東京公演の映像をご覧になっていかがでしたか。

最初に登場するNAOKOさんをNAOKOさんだと気づかず、「海外の人は上手いねー!」という感じで観ていたんですけど(笑)、そのレベルの高さにうれしくなりました。それこそダンスは人種なんて関係ない世界だし、『Hilatas』はそれがわかるいい例ですね。踊る人が日本人なのかタイ人なのかシンガポール人なのか、そういうところで作品を観る人はいないわけですから。
ダンス・ダンス・アジアでは、いろいろなジャンルの人たちが集まって、お互いを高め合っていますが、それだけさまざまなジャンルが発展しているということは、ダンスシーンの大きな進化だと思います。
今は音楽シーンでも多彩なジャンルが発展して、各ジャンルごとに濃いファンがいてスターも大勢いる。そういう多様性がダンスシーンでも生まれている。ダンス・ダンス・アジアの映像を観ても作品の多様化が感じられるし、これらの作品は今までダンスに触れる機会が少なかった人でも、自然に観ることができるものだと思う。
そういえばニューヨークに留学したときにタイ人の友達がいたんですけど、その人は日本人以上にアメリカ文化にくわしかったんですよ。

日本よりもタイでは欧米文化との距離が……。

近いんですよね。それを欧米っぽいとは言いたくないですけど、日本以上に欧米との間に文化的な境界線がない印象があります。だから『Hilatas』を観てもアジアの仲間っぽいというよりは、外国っぽいと感じるというか。もっと独特なものだと感じます。
「日本らしさ」や「アジアらしさ」って言うのは、実はその中にいる人なので。あと、たとえばアメリカ人が「アメリカらしさってなんだろう?」と思いながら、作品を創ったりはしないと思うんです。ダンス・ダンス・アジアの映像を観ても、オリジナリティーの強い作品が揃っているので、きっと観客もそれぞれの作品を独自の表現として楽しめると思います。


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